tr.haerentanimo.net
Yeni tarifler

Washington, DC'nin Sanat ve Ruhu Yenilemeden Sonra Yeniden Açılıyor

Washington, DC'nin Sanat ve Ruhu Yenilemeden Sonra Yeniden Açılıyor


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Ünlü şef Art Smith'in D.C. noktasında tarladan sofraya yemekler sunulur

Art and Soul, restoranın tarladan sofraya menüsünü vurgulamak için dekoruna doğal unsurları dahil ediyor.

ünlü şef Sanat Smith (Atlanta'nın Güney Sanatı, diğerleri arasında), yemek alanı, bar ve özel yemek odasının bir aylık yenilenmesinden sonra Güney esintili bir restoran olan Art and Soul'u yeniden açtı. Yeni görünüm, doğal ve rustik unsurlara sahiptir. Yemek yiyenler, restoranın tarladan masaya menüsünü tamamlayan klasik elle boyanmış çiftlik tabelalarını ve geleneksel halk sanatlarını görmeyi bekleyebilirler. Konuklar kızarmış serbest dolaşan tavuk ve waffle gibi "duygulu" klasikleri sipariş edebilir veya baharatlı yumurta ve domuz kabuğu gibi mezelerin yanı sıra "Masa İçin" ve "Pots" menüsündeki yeni bölümlerden seçim yapabilir. deniz ürünleri bamyası ve doyurucu bir ördek ve pirinç fasulyesi yahnisi (paylaşılması gerekiyordu) gibi girişler.

Art and Soul'a sorunsuzca akan yeniden tasarlanmış lobi, modern, kentsel bir bahçeyi temsil ediyor. Yeni mekanın öne çıkan özelliklerinden biri, Washington, D.C.'nin eski ve tarihi haritalarını, siyasi karikatürler, 1800'lerden kalma makaleler ve fotoğraflar da dahil olmak üzere Kongre Kütüphanesi'nden alınan materyallerle katmanlayan bir karma medya resmidir. Sanat eseri, lobinin merkez parçası, ülkenin başkentinin temelini ve dünyanın geri kalanı üzerindeki etkisini simgeleyen geri dönüştürülmüş ahşaptan yapılmış soyut bir "ağaç" ile dengeleniyor.

Otelde kalmak ve Art and Soul'da yemek yemenin tadını çıkarmak isteyen yolcular, The Liaison Capitol Hill'in otel özel promosyonundan yararlanabilirler. Teklif, 2 Eylül'e kadar misafirler için geçerlidir ve yakın zamanda yenilenmiş bir konuk odasında konaklama artı Art and Soul'da gecelik 100 USD yemek ve içecek kredisi içerir.

Teresa Tobat, The Daily Meal'in Washington, D.C. Travel şehir editörüdür. Onu Twitter'da takip et @ttobat88. Web sitesini şuradan görüntüleyin: teresaktobat.com.


Washington, D.C.'nin Sanatı ve Ruhu Tadilattan Sonra Yeniden Açılıyor - Tarifler

Pazartesi ve Salı
Kapalı

Çarşamba - Cumartesi
17:00 - Kapat

Pazar brançı
10:00 - 16:00

Mutlu saatler
Çarşamba Cuma
16:00 - 19:00

En Yakın Metro Durakları

Turuncu/Mavi Hat

McPherson Square Çıkışı: Vermont Ave/Beyaz Saray
Kuzey Farragut
(Kırmızı Hat, K St'den sola dönün ve 15th St'ye 2 blok yürüyün, sola dönün)

Farragut Kuzey
Connecticut Ave'den çıkın
K Caddesi'nde üç blok doğuya yürüyün
CVS Eczanede 15. Sokaktan Sağa Dönün
Bloğun ortasındayız


Corcoran Sanat Galerisi'nin devralınmasına karşı çıkanlar bir duruşma alacak

Washington'daki Corcoran Sanat Galerisi, bu hafta mahkemede bir yargıcın, kurumun Ulusal Sanat Galerisi ve George Washington Üniversitesi ile planlanan devralma anlaşmasına karşı çıkan bir grubun üyelerinin yasal dayanağı olduğuna ve kendi haklarını elde edebileceklerine karar vermesiyle şaşırtıcı bir gerileme aldı. şikayetler duyuldu.

Pazartesi günü, DC Yüksek Mahkemesi'ndeki Yargıç Robert Okun, Corcoran'ı Kurtarın grubunun dokuz üyesinin Corcoran'ın planına müdahale eden taraflar olarak izin verilmesi gerektiğine karar verdi. Gruba göre, dokuzu mevcut öğrenciler, bir öğretim üyesi ve bir galeri personeli üyesini içeriyor.

Okun'un kararı, bireylerin kovuşturmada özel çıkarları olduğunu ve sonuçtan etkilenebileceklerini ileri sürmüştür. Karar, karşı tarafların tanık ifadelerinin ve diğer delillerin yer alacağı bir duruşmada bir araya geleceği anlamına geliyor.

Bu yılın başlarında Corcoran yetkilileri, sanat kurumunun Ulusal Sanat Galerisi ve GWU tarafından emilmesini sağlayacak bir plan başlattı. Corcoran, yıllar boyunca sayısız finansal zorlukla karşı karşıya kaldı ve diğer kuruluşlarla birleşme veya devralma düzenlemelerini araştırdı.

Mevcut devralma anlaşmasının kesinleşmeden önce hala mahkeme onayına ihtiyacı var. Bu yazın başlarında, Corcoran'ı Kurtarın, Corcoran liderlerinin kurumun mali durumunu yanlış yönettiklerini ve anlaşmanın "Corcoran'ı sonsuza dek yok edeceğini" savunarak devralmayı durdurmak için mahkemeye belgeler sundu.

Corcoran'ın avukatları yanıtlarında, davanın "engelleme amacıyla engelleme" istediğini ve devralmanın Corcoran'ın sanat koleksiyonunu ve Corcoran'ın güzel sanatlar tarzı binasının yenilenmesini korumak için "en uygun düzenleme" olduğunu söyledi. .

Kâr amacı gütmeyen Corcoran, 18. yüzyıldan günümüze kadar 17.000 parçalık bir Amerikan sanatı koleksiyonuna sahiptir.


Hız için hazine haritası: Yakın zamanda yeniden açılan sanat müzesi için bir rehber

Bu, 60 milyon dolarlık bir yenileme ve genişlemeden sonra yeniden açılırken Speed ​​Art Museum'un kullandığı pazarlama sloganlarından biri.

Bu yüzden önce Speed ​​küratörlerinden, müzenin kalıcı koleksiyonundan, ziyaretçilerin görmesini istedikleri, mutlaka görülmesi gereken en sevdikleri sanat eserleri hakkında bizimle konuşmalarını istedik. İçgörüleri, sanat eserini canlandırdı ve daha da önemlisi kişisel hale getirdi.

Şimdi favorilerime isim vereceğim. Evet, Hız onlara sahip olabilir, barındırabilir ve tozunu alabilir, ama onlar benim. Aşağıdaki liste eski arkadaşlarımla dolu. Ziyaret etmenizi ve favorilerinizi bulmanızı, gerçekten “Hızlı Sanat Müzesiniz” olmasına izin vermenizi öneririm.

Hendrix İç Çekme Johnson

Stephen Rolfe Powell tarafından “Hendrix İç Çekme Johnson”, Glass (1992)

Modern ve Çağdaş Galeri

Sanat bana birçok büyük aşk verdi. Modern ve çağdaş bir dekoratif sanat tarihçisi olarak bir tipim var. Ama ben kararsızım harika bir tablo, heykel, yapı ya da fotoğraf kolaylıkla başımı döndürebilir.

Camla uzun süreli bir ilişkim oldu. Louisville'e döndüğümde, uluslararası üne sahip Kentucky cam sanatçısı Stephen Rolfe Powell'ın çalışmalarıyla tanıştım. Parlak renkli ve son derece dokusal olan büyük heykelsi parçaları, kalabalık bir odada fark edilebilir. Veya bu durumda bir müze galerisi.

Renk ve doku İtalyan murrini boncuklarından gelir. Bu düzensiz şekilli daireler, tek parçada 2.500 kadar bardağını işaret ediyor.

Powell'ın çalışmalarına saçma, belli belirsiz yaramaz isimler verme eğilimi var. Bu parçayı içeren “Teaser” serisi genellikle Smith, Johnson veya Jones ile biten üç kelimelik başlıklara sahiptir. Kendi Powell cam parçam var, bana verdiği iki inçlik sarı ve siyah murrini boncuğu. Birkaç tane daha toplamak için para biriktiriyorum, umarım uzun, soğanlı bir vazoya takılır. Bu arada, burayı ziyaret edeceğim.

Dönen Form II

Sam Gilliam'ın "Carousel Form II", tuval üzerine akrilik (1969)

Modern ve Çağdaş Galeri

Speed'in çağdaş sanat küratörü Miranda Lash, bu tabloyu müzedeki en sevdiği parçalardan biri olarak adlandırdı. O da benimkilerden biri. Tablo olarak adlandırmak neredeyse hatalı olsa da, heykel gibi üç boyutlu bir kaliteye sahip, çünkü çok büyük ve tahta bir sedyede değil.

Gilliam, 1961'de Louisville Üniversitesi'nden resim alanında güzel sanatlar yüksek lisans derecesi ile mezun oldu. Kısa süre sonra Washington DC'ye taşındı ve sonunda 1950'lerin Soyut Dışavurumculuğunun bir dalı olan Washington Renk Okulu'nun bir parçası oldu.

1960'ların sonlarındaki “Draped” serisi sanat dünyasında bir hareketlenme yarattı. Bu asılı soyut resimlerin şehvetli kıvrımları, renk dalgalarıyla birleştiğinde oldukça teatral bir alan yaratır.

D.C.'de yaşadığımda, Smithsonian Amerikan Sanat Müzesi'ndeki iş arkadaşlarım onun Louisville'den olduğunu biliyorlardı ve stüdyosunu ziyaret etmem gerektiğini vurguladılar. Gilliam herkesin bildiği gibi utangaç ve bunu dayatmak istemedim. Sonunda onunla bir sergide tanıştığımda, kısa sohbetimizin konusu Louisville oldu.

The Speed, 2006'da sanatının bir retrospektifini sergiledi. Gilliam oradaydı, hala utangaç ve alçakgönüllü ama hayatının eseri arasında olmaktan mutluydu.

başlıksız

Ed Hamilton tarafından “İsimsiz”, Bronze, kireç taşı (2000)

Kentucky Galerisi

Ed Hamilton, dünyayla paylaşmamız gereken yerel bir hazinedir. Yerel bir binada “Memleket Kahramanı” pankartı ve sanat eserinin bir parçası için bir park yeri olan başka kim var? (Rıhtımdaki Lincoln Anıtı)?

İç Savaşta savaşan Afrikalı-Amerikalı askerlere adanmış bir anıt yaratma yarışmasını kazandığında ulusal olarak tanınan bir sanatçı oldu. Anıt merkezli Washington, D.C.'deki “Özgürlük Ruhu”, alışılmadık bir dışbükey cephede üç asker ve bir denizci sunuyor. Speed ​​koleksiyonundaki bir Birlik askerinin büstü, bu tam boy figürlerden biridir. Onun üzerinde, herkesi özgürlüğe yönlendiren Ruh'un kişileşmesi vardır.

Hamilton, duygusal olarak hareket eden, insanlıkla dolu ve teknik olarak karmaşık sanatlar yaratmasıyla tanınır. “Özgürlük Ruhu” onun en güçlü eseridir, çünkü büyük ölçüde içbükey sırtta geride kalan aileleri temsil eden heykel kabartmasını içerir.

Bu isimsiz büst bana Hamilton'ın sanatındaki maneviyatı hatırlatıyor. Daha önce de belirttiğim gibi, kendisi metalle uğraşan bir beden, ruh, yer ve zaman tarihçisidir.

Cennet kuşu

"Cennet Kuşu", Toots Zynsky, Glass (1987)

Keşif Galerisi

Toots Zynsky'nin Discovery Gallery'de olması çok uygun çünkü o benim sanat hayatımda erken bir keşifti. Çocukken sahip olduğum herhangi bir sanat tarihi, Vincent van Gogh (çocukların favorisi), Michelangelo ve Leonardo da Vinci gibi ustalara odaklanmıştı. Hepsi erkek ve hepsi güzel sanatlar.

Art Nouveau, Arts and Crafts ve Art Deco gibi dekoratif sanatlarla daha bağlantılı sanat akımlarıyla ilgilenen farklı bir yoldaydım. Zevkim kısa sürede çağdaş müze kalitesinde el sanatlarını içerecek şekilde genişledi.

İlan

Aynı zamanda feminist olmanın ne olduğunu öğreniyordum. Genişleyen sanat dünyamda çalışan kadın sanatçılar bulmak istedim. İşte o zaman Toots Zynsky'yi keşfettim.

Stüdyo cam hareketinin ilk aşamalarında erkek dünyasında bir kadın olan Zynsky, kadınlar için argo bir kelime olan “toots” lakabını benimsedi ve profesyonelce kullandı (gerçek adı Mary Ann). 1970'lerin başında Pilchuck Cam Okulu'nu geliştiren cam virtüözü Dale Chihuly liderliğindeki orijinal ekibin bir parçasıydı. Kendine özgü stili, dalgalı bir gemi oluşturacak şekilde şekillendirilmiş renkli erimiş cam iplikler, hayranlık uyandıran bir güzelliktir.

Yaşam Döngüsü (Armillary Sphere

Paul Manship tarafından “Yaşam Döngüsü (Armillary Sphere)”, Yaldızlı bronz (1924)

Keşif Galerisi

Paul Manship'in büyük miktarda heykelini ilk gördüğüm zamanı hatırlıyorum. Washington, D.C.'de Smithsonian Amerikan Sanat Müzesi'ndeydim. Ben Art Deco hayranıyım ve o bu tarzın en ünlü erken savunucularından biridir. Müzenin harika bir Manship eserleri koleksiyonu var, galerilerini gezene kadar bilmediğim bir şey.

Tahminimce onun çalışmalarını da bizzat görmüşsünüzdür ya da New York'ta geçen herhangi bir film ya da TV şovunda. En ünlü eseri (ve en büyüklerinden biri) Rockefeller Center meydanındaki “Prometheus Çeşmesi”dir.

Manship, zarif, stilize Greko-Romen modernizmi ile tanınır. Büyük hayvanlar da yaratmış olsa da genellikle insan figürünü, mitolojiyi ve eylemi bir araya getirir. Speed'in çalışmasında, bir aileyi temsil eden, bir silahlı kürenin (gezegenlerin ve yıldızların eski bir haritası) tabanının içine yerleştirilmiş üç figür vardır. Küre ile birleştirilen aile, yaşam döngüsü için onun alegorisini temsil eder.

Çocuk

Mary Cassatt'ın "Çocuk", Tuval üzerine yağlı boya (1905 civarı)

Amerikan ve Avrupa Galerisi

Onlarca yıldır o bebeğin kıçını okşamak istiyordum.

Sanata aşina olmayan bir kişiden bir kadın sanatçıya isim vermesini isteyin ve muhtemelen Mary Cassatt, Frida Kahlo veya Georgia O'Keeffe diyeceklerdir (Teenage Mutant Ninja Kaplumbağaların hayranlarıysa genellikle bir erkek sanatçıyı söyleyebilirler). Ayrıca Cassatt'ın bugün Amerika'da en popüler tarihsel tarzlardan biri olan İzlenimcilikte çalışmasına da yardımcı olur.

Varlıklı bir aileden gelen bir kadın olarak kendisinden ailevi ve toplumsal beklentiler vardı. Profesyonel bir ressam olmak onlardan biri değildi. Babası tarafından dışlanarak 1874'te o zamanlar dünyanın sanat başkenti olan Paris'e gitti. Çocukları, kadınları ve çocuklu kadınları boyamaya başladığında nişini buldu. Geleneksel kadın konusu geçişi kolaylaştırdı.

Bu resim bir yarışma için yapılmış bir çalışmaydı. Yeni Harrisburg, Pennsylvania eyalet binasıyla ilgili siyasi yolsuzluğu öğrendikten sonra, onu tasarım yarışmasından çıkardı. Sonunda Hız'a ulaştı, ki bu kesinlikle hepimiz için bir artı.

Vazo

Rookwood Pottery için Sara Sax'tan Vazo

çanak çömlek (1910)

Amerikan ve Avrupa Galerisi

19. yüzyılın sonlarında başlayan Amerikan Sanat ve El Sanatları Hareketi'nin bir alt kategorisi olan Amerikan sanat çömleklerini topluyorum. Seramikler ya elle atılmış ya da kalıba dökülmüş, katı mat sırlar, oyulmuş tasarımlar ya da elle dekore edilmiş görüntüler. Evlenmeden önce ve sonra seramik, düzgün bayanlar için uygun bir hobi olduğundan, kadınları karşılayan bir sanattı.

Birkaç eserim, günün en iyi çömleklerinden biri olan Cincinnati'deki Rookwood Pottery'den. 1880'de açıldı, Büyük Buhran sırasında çöktü ve nihayet 1967'de, çoğu sanat çömlek şirketinden çok daha sonra tamamen kapandı.

Rookwood'un ünlü dekoratörlerinden biri Sara Sax'tı. Popüler tavus kuşu tüyü motifinin stilize yorumu, standart şekilli bir vazonun önünü süslüyor. Yine de yeteneği ve tekniği konusunda standart bir şey yok.

Ayna ve Vazo

Louis Comfort Tiffany'den ayna ve vazo

Bronz ayna (1905 civarında), Cam vazo (1900 civarında)

Amerikan ve Avrupa Galerisi

Louis Comfort Tiffany bir isim markası haline geldi, ancak çoğu insan yanlışlıkla New York'taki Tiffany & Co. mağazası (bu babasının şirketi) olduğunu düşünüyor. Vitray lambaların çoğu yanlışlıkla Tiffany lambaları olarak adlandırılır. Aslında birden fazla medyada çalıştı ve Speed'deki örnekler, izleyicilerin sanatçının karmaşıklığını anlamalarına yardımcı oluyor.

Tiffany Studios ve Tiffany Glass and Decorating Co. dahil olmak üzere birçok şirketin sahibi veya bir parçasıydı. Her zaman tasarımcı ya da işçi değildi, ancak Tiffany adını büyük ölçüde sanatın kalitesi ve şovmenliği nedeniyle biliyoruz.

Birçok insan tavan arasında bir Picasso tablosu bulmayı hayal eder. Ben? İmzalı bir Tiffany vitray penceresi olsun lütfen.


Pontchartrain Oteli

New Orleans, Louisiana

Pontchartrain'in çatı barı Hot Tin'de kokteyller.

Geleneklerle ve görkemli süslemelerle dolu bir şehirde bile, yeni açılan Pontchartrain göze çarpıyor. 1927'deki ilk çıkışından bu yana, New Orleans ana dayanağı, Tennessee Williams'tan (üzerinde çalışmış olan) herkesi ağırladı. Arzu adında bir tramvay Orada) Rita Hayworth to the Doors'a ve Crescent City sakinleri, ceket gerektiren Caribbean Room'da Crabmeat Remick, Shrimp Saki ve otelin imzası olan Mile High Pie'nin cömert yemeklerini sevgiyle hatırlıyorlar. Özenle yeniden tasarlanan modern deneyim, birçok nostaljik dokunuşa sahiptir. Check-in sırasında, size ağır bir metal anahtar verilir (şehri keşfederken masa onu tutacaktır). Renkli odalar, eski Garden District'ten ilham alan bir dekora (bambu masalar, mücevher tonlu döşemeler) sahiptir ve eski bebek kuyruklu piyano, clubby Bayou Bar'da geri döndü. Ama bu tamamen bir geri dönüş değil. Çatı katındaki Hot Tin bar 1940'ların cazibesini taşırken, son derece çağdaş bir şehir merkezinin nefes kesici manzarasına açılır. Ve John Besh tarafından işletilen yeni Karayip Odası'nda, zümrüt yeşillikleri ve yumuşak pembe kadife içinde, üç renkli Mile High Pasta'yı sipariş edebilirsiniz, ancak arsız bir baş hareketiyle, New Orleans yerlisi Lil' Wayne'in sırıtan bir portresini bulacaksınız. bitişik salonda bir dilim üzerinde. Ancak ceketler hala gerekli. thepontchartrainhotel.com

Pontchartrain Hotel'in meşe gölgeli St. Charles Caddesi girişi.


Washington, D.C.'nin Sanatı ve Ruhu Tadilattan Sonra Yeniden Açılıyor - Tarifler

U Caddesi'ndeki Ben's Chili Bowl, 1958'de açıldığından beri Washington'un simgesi olmuştur. O zamandan beri, kurucu Ben Ali'nin ünlü D.C. temel gıdası olan biberli yarım tütsülerin üzerine ünlü chili con carne servis etmektedir. (Fotoğraf Kaynağı: Creative Commons)

“Ben's, topluluğun nabzının sadece hissedildiği değil, aynı zamanda duyulduğu tanıdık, rahat bir yer, alacakaranlıkta güney verandalarında yapılan kahkaha ve tarih dolu boğucu sohbetlerin kuzeydeki eşdeğeri, kaybolan bir dünyanın sonuncusu. hemen hemen herkesi tanıyordu ve senden bahsettiklerinde bile kimse sana zarar vermek istemedi." [1] – Washington Post, 1989

Kurucu ortak Virginia Ali'ye göre, Ben's Chili Bowl hiçbir zaman "tipik restoranınız" olmadı. [2] 1950'lerin diğer lokantalarından farklı olarak, Virginia'nın kocası Ben, “Washington, Karayipler'de büyürken bildiği baharatlı yemeklere aç olabilir” diye düşündü ve bu yüzden kendi acılı con carne tarifini yarattı. sıkı korunan bir aile sırrı. [3]

(Fotoğraf Kaynağı: Kongre Kütüphanesi)

Başlangıçta restoranın benzersiz bir unsuru, "Ben'in baharatlı biberinin, mekanın adından da anlaşılacağı gibi kase tarafından değil, sadece sosisli sandviçler, yarım sigaralar veya hamburgerlerin üzerinde servis edilmesiydi". [4] Ben'in kırmızı biberli yarı dumanı icadı (İslami inancı domuz eti yemesini yasakladığı için aslında hiç denemedi) çabucak DC'nin temel gıda maddesi haline geldi ve sonraki 20 yıl boyunca sadık Washington'lular bir dizi acının üstesinden geldi. biber yarı duman düzeltmelerini elde etmek için önemli engeller.

San Juan, Trinidad'dan bir göçmen olan Ben Ali, 1945'te üniversiteye gitmek ve sonunda doktor olmak için Amerika Birleşik Devletleri'ne geldi. Başlangıçta Nebraska Üniversitesi'ne gitti, ancak bir asansör boşluğuna düştükten sonra sırtını kırmaktan kurtulmak için birkaç ay izin almak zorunda kaldı. [5] Bundan sonra, Shaw'daki Howard Üniversitesi'nden nihayet mezun olmadan önce diğer dört koleje gitti. Daha sonra Howard'ın dişhekimliği okuluna başladı, ancak daha sonra okulu bıraktı ve bekleme masalarından gayrimenkul satışına ve taksi sürmeye kadar her şeyi yaparak geçimini sağladı. [6]

Ancak 1957'de U Caddesi'nde ilginç bir geçmişi olan boş bir mülk Ben'in gözüne çarptı. 1910'da, yeni inşa edilen bina, ülkedeki ilk siyahlara ait sessiz sinema evine ev sahipliği yapıyordu: 1213 U Caddesi'nde bulunan Minnehaha. Afro-Amerikan vodvil sanatçısı Sherman H. Dudley kuruluşu satın aldı ve 1913'ten 1920'ye kadar yeni adı verilen Dudley Tiyatrosu, 200 kişilik bir vodvil tiyatrosu olarak hizmet verdi. [7]

1910'da, Ben'in şu anki yeri, ülkedeki ilk siyahların sahip olduğu sessiz sinema evi olan Minnehaha'ya ev sahipliği yapıyordu. 1913'ten 1920'ye kadar bina, Afrika kökenli Amerikalı vodvil sanatçısı Sherman H. Dudley'e ait 200 kişilik bir vodvil tiyatrosuydu. (Fotoğraf Kaynağı: Zagat)

Vaudeville gösterileri ve sessiz filmler, popüler “talkie”lerin (sesli filmler) ortaya çıkmasıyla yavaş yavaş kaybolmaya başlayınca, tiyatro bilardo salonuna dönüştü. [8] 1957'de bilardo salonu kapandıktan sonra, Ben mülkü kaptı ve bir restorana dönüştürmek için yenileme sürecine başladı. Bu yenileme yapılırken Ben, 11. ve U'da Sanayi Bankası'na birkaç gezi yaptı ve burada müstakbel eşi Virginia Rollins ile tanıştı. [9] Ben ve ardından nişanlısı Virginia, 22 Ağustos 1958'de Ben's Chili Bowl'u açtılar ve iki ay sonra evlendiler.

Ben ve Virginia Ali, 1958'de düğün günlerinde, restoranı açtıktan sadece iki ay sonra. (Fotoğraf Kaynağı: Ben'in Chili Bowl Web Sitesi)

Ben's'in açılışı, U Street'in “Black Broadway” döneminin ortasında geldi. 20. yüzyılın tecrit edilmiş Washington'unda, ünlü olsun ya da olmasın, Afrikalı Amerikalılar DC şehir merkezindeki pek çok takılma, restoran ve tiyatroda hoş karşılanmadılar ve bu nedenle ABD'de kendi kendilerine canlı, kendi kendine yeterli bir topluluk kurdular. Sokak bölgesi. Bu bölge hızla Washington'un orta sınıf siyah topluluğuna ev sahipliği yaptı ve Howard Üniversitesi'nin bölgede çapa görevi görmesiyle birlikte, “Black Broadway” adının doğmasına yardımcı olan birkaç büyük tiyatro da dahil olmak üzere eğitim, kültür ve sanatı teşvik eden diğer kurumlar ortaya çıktı. ” Bu alanda kök salmış en ünlü tiyatrolar arasında Howard Tiyatrosu, Bohem Mağaraları ve Lincoln Tiyatrosu vardı. [10]

Ben's Chili Bowl, U Street'in eğlence bölgesinin tam kalbinde, Lincoln Tiyatrosu'nun bitişiğinde ve diğer tiyatrolardan ve caz kulüplerinden sadece kısa bir yürüyüş mesafesinde elverişli bir konuma sahipti. Aksiyonun tam ortasında yer alan Ben's, müzisyenlerin, özellikle de şehir merkezinde hoş karşılanmayan Afro-Amerikan caz sanatçılarının konserlerinden sonra gittiği yer olarak kendini hızla kabul ettirdi. Aslında, Cab Calloway, Sara Vaughan, Ella Fitzgerald ve hatta U Street'in yerli ve caz efsanesi Duke Ellington gibi harikaları, bölgede kulüplerde oynarken acılı bir köpek için durmak sıradan bir olaydı. [11] George Washington Üniversitesi'nde Afro-Amerikan tarihi profesörü ve Ben'in resmi tarihçisi Bernard Demczuk, “Tab Calloway geldiğinde, içine bir çift acı biber koyduğunda, baharat onu bir aşağı bir yukarı dans ettirirdi. koridor, birkaç adıma dokunarak. ” [12]

Ben's, U Caddesi'ndeki ünlü Lincoln Tiyatrosu'nun hemen yanında yer almaktadır. Bu, bölgedeki konserlerinden sonra gece yarısı yarı duman için tüm büyük caz müzisyenlerini kendine çektiği için restoran için birinci sınıf bir yer olduğunu kanıtladı. Cab Calloway, Ella Fitzgerald ve Duke Ellington gibi Afrikalı Amerikalı müzisyenler, DC şehir merkezindeki takılma noktalarında hoş karşılanmadıkları için Ben's'i yerlerine yerleştiren birçok kişiden sadece birkaçıydı (Fotoğraf Kaynağı: Kongre Kütüphanesi)

Ben's sadece ünlü müzisyenlerle dolu değildi - siyasi liderler de orada toplantılar düzenledi ve restoran Sivil Haklar Hareketi sırasında özellikle önemli bir yer haline geldi. Şiddetsiz Öğrenci Koordinasyon Komitesi'nin (SNCC) merkezi caddenin karşısındaydı ve lideri Stokely Carmichael, her gün Ben's'te yemek yiyordu ve restoranı bir sosyal yardım merkezi olarak kullandı. Hatta Dr. Martin Luther King Jr., Washington'u ziyaret ettiğinde ara sıra Ben's'e öğle yemeğine gitti. [13]

Ancak, Dr. King'in 1968'de öldürülmesinin ardından Washington, U Street mahallesini beş gün boyunca parçalayan şiddetli ayaklanmalara başladı. Kargaşa nedeniyle birçok restoran ve işletme kapanırken, Ben Ali isyanlar sırasında restoranını açık tutmak için özel polis izni aldı ve bölgedeki protestoculara, polis memurlarına ve itfaiyecilere yer sağlayan birkaç restorandan biriydi. şiddetin ortasında yemek yemek. [14] Diğer birçok Afro-Amerikalı işletme sahibi gibi, Ben de restoranın penceresine sabunla “Soul Brother” ifadesini yazdı ve bunu siyahlara ait bir işletme olarak tanımlamaya ve vandalizmi caydırmaya çalıştı. [15] Bu olay, restoranın popülaritesi ya da sadece iyi bir şans olsun, Ben's U Caddesi'ndeki birçok işletmeyi yok eden yangınlar ve vandalizmden etkilenmeyen isyanlardan kurtulmayı başardı.

1968 DC isyan sahneleri, 14.-7. Caddeler N.W. Martin Luther King Jr.'ın öldürülmesinin ardından çıkan bu ayaklanmalarda U Street semtindeki çoğu işyeri yerle bir olurken, Ben'in işyerine dokunulmadan kaldı ve şiddetli beş gün boyunca faaliyetlerine devam etti. (Fotoğraf Kaynağı: Kongre Kütüphanesi)

Ancak 1970'lerde ve 1980'lerde, U Street, isyanların ardından suç ve uyuşturucuda yüksek bir artışla karşı karşıya kaldı. Ben'in oğullarından Nizam Ali'nin dediği gibi:

"Gülünç miktarda uyuşturucu kaçakçılığı ve suç vardı ve D.C. tüm o yıllar boyunca dünyanın cinayet başkentiydi. Ama kendimizi her zaman güvende hissettik. Her zaman, kim olursa olsun müşteriye saygı duyduğumuz ve çoğunlukla bizi kolladıkları bir yerdi. İnsanlar, özellikle anneme her zaman inanılmaz bir saygı duymuşlardır. Satıcılardan çete üyelerine kadar ona bir anne figürü olarak bakarlardı.” [16]

2003 yılında, Virginia Ali söyledi Washington post Bu süre zarfında, "restoran, şekerleme bağımlıları çektiği için kek ve turta satmayı bıraktı" ve DC polisi, "restorandaki üst kattaki pencereden uyuşturucu satıcılarını gözetliyor" bile. [17]

Çok daha kısa çalışma saatleri olmasına rağmen, Ben's, Uyuşturucu Savaşları boyunca galip gelen birkaç işletmeden biriydi. Ali ailesi, sevilen ve başarılı bir restoran işletmeye devam edebileceklerini kanıtladı, ancak zorlu zamanlar devam edecekti. 1988 yılında, Green Line Metro'nun inşaatı, restoranlarının hemen önündeki sokakta başladı. Ben'in oğullarından bir diğeri olan Kamal Ali, Metro inşaatının "neredeyse uyuşturucudan daha yıkıcı olduğunu, çünkü insanlar bize yemek yiyemediklerini" belirtti. [18] Binanın önündeki 60 metrelik kratere ve Ben'in personeli aileye ve diğer iki çalışana indirme kararına rağmen, restoran hala sadık müdavimleri ve yarı sigara içen çaylakları çekmeye devam etti. [19] İnşaat 1988'den 1991'e kadar sürdü ve Ben's, blokta ayakta kalan tek işletmeydi. [20]

Green Line Metro inşaatı 1989'da Ben's'in hemen önünde gerçekleşir. Ben's, blokta inşaattan kurtulan tek işletmeydi. (Fotoğraf Kaynağı: Ben'in Chili Bowl Web Sitesi)

Metro hattı bittiğinde, U Street mahallesi bir tür gençleşme yaşadı. [21] İşletmeler, restoranlar ve tiyatrolar geri gelmeye başladı ve mahalle bir kez daha eğlence ve gece hayatının merkezi haline geldi.

Bugün, Ben's Chili Bowl, DC'de hala yemek yenilebilecek en popüler yer ve ünlüleri, 1950'lere özgü olan tezgah veya kırmızı, vinil döşemeli kabinlerinde ağırlamaya devam ediyor. Eski DC Belediye Başkanı Marion Barry bir keresinde Gana'ya yaptığı bir gezide Howard Üniversitesi mezunu olan Accra Belediye Başkanı ile tanıştığını belirtti. Belediye Başkanı'nın Barry'ye ilk selamı, "Akra'da olmanıza sevindim. Ben'in Acılı Kasesi hala orada mı?" [22] Ve 2009'da göreve başlamasından hemen önce, Eski Başkan Barack Obama, yarı sigara içmek için bile uğradı.

Ben Ali 2009'da ne yazık ki vefat ederken, restoran hala Ali'nin iki oğlu Nizam ve Kamal tarafından işletiliyor ve Virginia düzenli olarak uğramaya devam ediyor. Ben's Chili Bowl, Washington'da "eskiden" bir hatırlatma olarak U Caddesi'nde durmaya devam ederken aynı zamanda ilerlemeyi, değişimi ve biraz da acıyı temsil edecek.


Tarihi Bir Washington, D.C. Evi, Vintage Mobilyalar ve Eklektik Sanatla Canlandı

Tasarımcı Zoe Feldman'ın genç bir çiftin evi dediği zamansız meskeni nasıl hazırladığını görün.

Bir grup gayrimenkul geliştiricisi Washington, D.C.'de tarihi bir şehir evi satın aldığında, alanın her santimini modernize etmeye kararlıydılar. Ancak, vizyonlarını gerçekleştirmeden önce, 30'lu yaşlarında bir çift, onu eski ihtişamlı günlerine geri döndürmek amacıyla mülkü satın almak için adım attı. Ev sahipleri, hemen bir konuda net olan tasarımcı Zoe Feldman'ı işe aldı: Ruh ve karakterle dolu olması gerekiyordu.

Feldman, özenle seçilmiş eski mobilyalar kullanarak evin tarihini canlandırdı. Bir kontrast duygusu için, türünün tek örneği parçaları çiftin kişisel koleksiyonundan modern dokunuşlar ve eklektik sanatla katmanladı. Alanı tasarlarken, ev sahiplerinin kurtarma köpeğini de hesaba katması gerekiyordu, bu nedenle vegan deri sandalyeler, kısa tüylü kilimler ve performans kumaşları gibi pratik seçimler anahtardı. Şık, konforlu sığınak, Feldman'ın 15 yılı aşkın bir süredir yönettiği tasarım firmasının ayırt edici özelliğini temsil ediyor. Feldman, "Bu, bizim doğal estetiğimizle çok uyumlu" diyor. &ldquoBana çok zamansız geliyor ama yine de çok alakalı ve gerçekten ilginç.&rdquo

Nötrler evi topraklarken, aynı zamanda renklerle canlanır. Oturma odasında, koyu sarı renkli performans kadifesi içinde bir Kara Mann for Baker kanepe gösteriyi çalıyor. Feldman, &ldquoNötr gibi davranır, ancak çok fazla yoğunluğa sahiptir,&rdquo diyor. Görünümü geliştirmek için Feldman, çiftin sabah kahvesinin tadını çıkarabileceği, gazete okuyabileceği veya aile ve arkadaşları eğlendirirken kullanabileceği bir yer olarak hizmet veren bir Biedermeier oyun masasını dokudu.

Bir diğer önemli nokta, William Morris'in zarif çiçekli duvar kağıdıyla süslenmiş ana yatak odasıdır. Feldman, "Renk ve desene sahip olmasına rağmen, yine de çok nötr ve sessiz hissettiriyor" diyor. &ldquoHiç de kaotik değil.&rdquo Özel dolaplar, dolap alanı eksikliğini gidermek için yerleştirildi ve büyük bir gömme divan, ustanın rahat hissine katkıda bulundu.

Feldman'ın renk ve desen tutkusu banyolarda da sergileniyor. Ebeveyn banyosu, bembeyaz duvarları tamamlayan çarpıcı lacivert balıksırtı desenli yer karosuna sahiptir. Ayrıca üstesinden gelinmesi gereken büyük bir tasarım zorluğu vardı: Bir pencere, Feldman'ı duşun su tesisatını cam kapısına kurarak risk almaya zorladı. "Bunu daha önce hiç yapmadım, ama aslında güzel sonuç verdi çünkü içine girip sıhhi tesisatın arkasını ve bu güzel görünen duşu görüyorsunuz." Diğer beklenmedik anlar arasında, Schumacher'in &ldquoLeaping Leopars&rdquo duvar kağıdıyla kaplanmış bir misafir banyosu yer alıyor. Pierre Frey'in &ldquoLe Couple&rdquo duvar kağıdının çerçeveli sanat olarak ikiye katlandığı&mdash, Farrow & Ball's Bancha'da çalkalanan bir tuvalet ile.

Yemek odası için Feldman, oturma odası ve mutfaktan net bir ayrım getirmeye karar verdi. Bunu iki cesur tasarım hamlesi yaparak başardı: tavanı siyaha boyamak ve Pierre Frey'den geometrik bir baskıda dokulu nötr duvar kağıdı yerleştirmek. Feldman daha sonra, eski büyük boy masa lambaları, St. Frank'in sanat eserleri ve konutun diğer alanlarında mevcut olan karısının en sevdiği renk tonlarından yeşil ve mdashone'da bir Roma gölgesi ile alanı noktaladı.

Farrow & Ball's Card Room Green'in dolapta göründüğü mutfakta yeşil bir kez daha parlıyor ve mekandaki zarif kıvrımları canlandırıyor. Ayrıca tasarımı bir araya getirmek için pirinç armatürler, alçı başlık ve eski bir Oushak halısı ekledi. Eski çıplak, tamamen beyaz mutfaktan önemli bir ayrılma.

Ve her tasarımcı, güçlü bir ilk izlenimin gücünü anladığı için, Feldman, rezidansın hemen her alanında görülen aynı etkileyici brio ile fuayeye hitap etti. Burada, eski heykelsi masa lambaları ve Jenny Prinn'den renkli soyut bir sanat eseri kişilik kazandırıyor. Tasarım şemasına mermer bir tablalı antika bir konsol masası&mdashanbaşka bir Sandalye bul&mdash hakimdir. Feldman, projeyi kendisi ve tasarım ekibi için daha keyifli hale getirdiğini söylediği bir özellik olan ev sahiplerinin özellikle eski görünümünden etkilendiler. Feldman, "Vintage bir parça geldiğinde ve yüzde 100 mükemmel olmadığında ve içinde küçük bir çentik veya ezik olduğunda, bununla tamamen iyiydiler çünkü hikayenin bir parçasıydı," diye açıklıyor Feldman, konsolun kenarlarının biraz yıpranmış olduğuna dikkat çekiyor. . &ldquoOnu restore edebilirdik, ancak yaşanan hissi sevdik.&rdquo

Feldman'ın işi sona ermiş olsa da, dekorun zamanla zevkleriyle birlikte gelişmesini amaçladığı için ev sahiplerinin işi henüz bitmedi. Feldman, "Ev bittiğinde, gerçekten evin gelişmeye devam etmesini ve fazla durağan hissetmemesini istediler" diyor. &ldquoIf they find a great piece of art or furniture on their travels, there's still room for it. It's a living space.&rdquo


Willie Mae’s Scotch House Makes Finals

Bon Appetit magazine’s September 2007 Restaurant issue features three finalists in a list of quintessential versions of six American classics: pizza, steak, tacos, hamburgers, fried chicken, and ribs. Winner will be announced on the Food Network on Aug. 18 ( Good Eats with Alton Brown , 6 and 10 pm CDT). The finalists:

PIZZA: Pizzeria Bianco, Phoenix DiFara Pizza, Brooklyn, NY Pizzeria Mozza, Los Angeles
STEAK: Peter Luger Steak House, Brooklyn Cut, Los Angeles Doe’s Eat Place, Greenville, Miss.
TACOS: Taco Taco Cafe, San Antonio Taqueria del Sol, Atlanta South Beach Bar & Grill, Ocean Beach, Calif.
HAMBURGERS: Bobcat Bite, Santa Fe, NM Taylor’s Automatic Refresher, St. Helena, Calif The Meers Store and Restaurant, Lawton, Okla.
FRIED CHICKEN: Willie Mae’s Scotch House, New Orleans Price’s Chicken Coop, Charlotte , NC Blackberry Farm, Walland, Tenn.
RIBS: Charles Vergos Rendezvous, Memphis 17th Street Bar & Grill, Murphysboro, Ill Jaspers, Plano, Texas.

The magazine also features favorite restaurant recipes, including: Lucia’s in Minneapolis-St. Paul Eve in Ann Arbor, Mich. Dali Restaurant & Tapas Bar in Somerville, Mass. Binkley’s Restaurant in Cave Creek, Ariz. Kelly Liken Restaurant in Vail, Colo Pizzeria Mozza in Los Angeles and Park Kitchen in Portland, Ore. … And the mag also features 12 small restaurants and their recipes, including: The Little Owl, New York City The Good Fork, Brooklyn La Laiterie at Farmstead, Providence, RI Cremant, Seattle Bonne Soiree, Chapel Hill, N.C. Hatfield’s, Los Angeles Canteen, San Francisco Revolver, Findlay, Ohio Le Pigeon, Portland, Ore and Komi, Washington, DC. epicurious.com/bonappetit

IN THE NEWS: Tom Fitzmorris’ The New Orleans Menu spotlights Vietnamese eatery Saigon Grill (Mandeville: 2890 E Causeway Blvd.) as well as his Top 10 Steak Houses, topped by Emeril’s Delmonico (1300 St. Charles Ave.), which he calls the best Emeril’s restaurant in the area. nomenu.com … Gambit Weekly ‘s Ian McNulty reviews Chef Eddie Ray King’s Orleans Grapevine Wine Bar & Bistro (720 Orleans Ave., http://www.orleansgrapevine.com). bestofneworleans.com … The Times-Picayune ‘s Brett Anderson examines how restaurants are handling the hot summer months. … Anderson also reports, “By this time next year, the bread pudding soufflé at Commander’s Palace will be available with a harbor view. The famous Garden District restaurant plans to have a new location in Destin, Fla., in time for the vacationing crowds. Commander’s will be a part of HarborWalk Village, a resort development rising along the beach town’s waterfront.” nola.com


Cooper Hewitt Director Plans to Raise Museum’s Profile With Reopening

Caroline Baumann, director of the Cooper Hewitt. The design museum reopens on Friday after a three-year renovation.

Pia Catton

The Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum is mere blocks away from the crowds pouring daily into the Metropolitan Museum of Art and the Solomon R. Guggenheim Museum, but for Caroline Baumann, that only adds to her frustration.

“If you ask tourists exiting the Guggenheim, ‘What is Cooper Hewitt? Where is Cooper Hewitt?’ ” she said, “maybe seven out of 10 won’t know. Or even higher.”

Ms. Baumann, the design museum’s director, has been striving for years to change that, and starting Friday, she may have her chance.

After a three-year, $81 million renovation, during which the museum was closed to the public, a reinvigorated Cooper Hewitt is set to reopen. The 1902 mansion that was once Andrew Carnegie’s home now has 60% more gallery space, interactive elements to highlight its collection, and free access to its cafe and garden starting at 7:30 a.m. daily.

Visitors will be able to touch objects and try their hand at design in a new lab, compare centuries of tools in a new exhibition, and step into an “immersion room” where they can see or create wallpaper designs that are then projected onto the walls.


The New Serenity

In 1997 Frank Gehry pulled off what many critics still see as an architectural miracle. His ebulliently sculptural Guggenheim Museum in Bilbao, Spain, transformed a declining industrial city in the Basque region into a global tourist attraction. Art-museum trustees and directors in other cities quickly tried to imitate the so-called Bilbao effect. They hoped that a spectacular cultural facility would inspire a similar success story: rebranding their communities, boosting the local economy, and attracting tourists in droves. The Milwaukee Art Museum built a spectacular expansion with winglike canopies designed by Santiago Calatrava of Spain. The Corcoran Gallery of Art in Washington, D.C., plans to break ground next year on a shiny, metal-clad expansion designed by Gehry. And Daniel Libeskind, co-architect of the Freedom Tower at Ground Zero in New York, designed a craggy, sharp-edged expansion for the Denver Art Museum, scheduled to open in the fall of next year.

But eight years after Bilbao, a reaction is setting in. While art museums in the United States are expanding at a breathtaking pace, the desire to emulate Gehry&rsquos Spanish miracle looks increasingly like the exception, not the rule. And while museum directors continue to justify large expansion projects in terms of the tourism and attention they attract, they&rsquore talking less and less about spectacular architecture as a primary goal. Instead, they emphasize the importance of showcasing collections, creating larger spaces suitable for the demands of contemporary art, and serving local audiences rather than attracting tourists.

The new ethos is in part a response to criticisms that Gehry&rsquos architecture in Bilbao, while a powerful artistic statement in itself, at times overshadowed the contents of the museum. Financial reality is also behind the shift. In today&rsquos straitened economic climate, museums have been less inclined to market themselves as civic trophies that swagger on the skyline. Museum directors and their boards have been chastened by the example of Milwaukee, where Calatrava&rsquos dramatic design led to a $25 million debt in 2000, from which the museum is only now beginning to recover. Also significant is the example of the Bellevue Art Museum outside Seattle, which closed its doors in 2003, shortly after having opened a beautiful $23 million building designed by Steven Holl&mdashproving, perhaps, that eye-catching architecture isn&rsquot everything. In this case, according to numerous press accounts, exhibitions failed to attract attendance, which led to a shortfall in revenue for an institution that was, in essence, undercapitalized. (The museum is scheduled to reopen later this year as a center for crafts and design.)

So while star architects such as Gehry, Libeskind, and Rem Koolhaas continue to design high-impact cultural buildings around the world, art museums in the United States have been retreating from explosive innovation to a more restrained Modernism and a mood of tranquil equipoise. At the same time, art museums are generally avoiding historicist quotations of architectural styles from the past. Postmodernism, as an approach to museum design, is out of fashion.

If one architect crystallizes the moment, it is the Italian-born Renzo Piano, whom James Cuno, director of the Art Institute of Chicago, calls the &ldquomost sensitive and profound architect designing museums today.&rdquo Known for the luminous use of daylight he achieved at the Menil Collection in Houston in 1987, Piano has won commissions for more than a half dozen of the most important current art-museum projects. They include expansions proposed for the Isabella Stewart Gardner Museum in Boston the Art Institute of Chicago the Whitney Museum and the Pierpont Morgan Library in New York the High Museum of Art in Atlanta the Los Angeles County Museum of Art and the Nasher Sculpture Center in Dallas.

&ldquoFor every action there is an equal and opposite reaction,&rdquo says Willard Holmes, director of the Wadsworth Atheneum Museum of Art in Hartford, Connecticut. &ldquoPeople look at Piano&rsquos architecture and see it as an antidote to Gehry&rsquos architecture. They both build wonderful spaces, but Piano holds out the promise of something that is calming rather than energizing, something that is serene rather than active.&rdquo Of course Piano isn&rsquot the only advocate of what might be called the New Serenity. Other examples of the more subdued approach include the $48.6 million Figge Art Museum in Davenport, Iowa, designed for a site along the Mississippi River by architect David Chipperfield of England as a series of rectangular forms sheathed in delicate lattices of glass and metal. Also notable is the widespread enthusiasm for the work of Japanese architects, whose austere esthetics have been embraced by many American museums. Japanese Modernists Kazuyo Sejima and Ryue Nishizawa have been chosen to design a recondite tower of stacked, boxy shapes on the Bowery in New York for the New Museum of Contemporary Art and a ghostly, minimalist building for the new Glass Pavilion at the Toledo Museum of Art. Tadao Ando, known for his elegant use of glass and concrete, designed the Modern Art Museum of Fort Worth and the Pulitzer Foundation for the Arts in St. Louis. And Yoshio Taniguchi, who just completed the expanded Museum of Modern Art in New York, has been tapped to design a new building in Houston&rsquos museum district for Asia House of the Asia Society Texas.

&ldquoPeople are thinking twice about destination architecture because they&rsquore beginning to realize that to survive and remain a very viable and good museum, you&rsquove got to have a good place to show the work,&rdquo says Agnes Gund, president emerita of the Museum of Modern Art in New York. As president from 1991 to 2002, Gund helped lead the museum through an $858 million capital campaign that paid for the $425 million expansion and renovation. Gund also played a leading role in setting the tone for Taniguchi&rsquos minimal, elegant, and classically Modernist design, which has been praised widely. &ldquoSexy architecture is very good, but it doesn&rsquot work for the purpose that it&rsquos supposed to serve,&rdquo she comments.

Citing similar arguments, other museum directors say their projects are not at all like the Guggenheim Bilbao, conceptually or architecturally. &ldquoBilbao was an aberration,&rdquo says Kathy Halbreich, director of the Walker Art Center in Minneapolis, which will inaugurate its own expansion and renovation on the 17th of next month. &ldquoThe aberration was that there&rsquos only one Bilbao, in part because of Gehry&rsquos architecture. It&rsquos a place of pilgrimage, and I don&rsquot think places of pilgrimage can ultimately be sustained. Pilgrims don&rsquot sustain communities&mdashlocal audiences sustain communities. And it&rsquos the programs that are the heart and soul of any building.&rdquo Halbreich describes the Walker&rsquos expansion&mdasha $67.5 million project designed by the Swiss firm Herzog & de Meuron, renovation architects of the Tate Modern in London, as well as its recently announced, upcoming expansion&mdashas &ldquoenormously mission-centered,&rdquo not an architectural gesture for its own sake.

The projects in New York, Minneapolis, and other cities are part of a wave of art-museum construction that certainly owes part of its strength to the success of the Guggenheim Bilbao. Despite the economic slump that started in 2000, and the impact of terrorism and the
war in Iraq, dozens of art museum expansions and renovations are under way from the coasts to the heartland, in what surely constitutes one of the biggest booms of its kind in American history.

Signs of a new mood in museum architecture include the Los Angeles County Museum of Art and the Whitney&rsquos choices of Piano to design their expansions after having both scrapped flamboyant proposals by Koolhaas. The Los Angeles museum&rsquos director Andrea Rich declined to comment on the reasons for dropping Koolhaas, who would have demolished much of the museum&rsquos existing complex before replacing it with a gigantic canopy over reconstructed galleries. Whitney director Adam Weinberg, who joined the museum after its board decided not to proceed with Koolhaas, says he has no direct knowledge of the decision to cancel a $300 million Koolhaas proposal, which called for a tower that would have been cantilevered over the museum&rsquos bunkerlike 1966 building designed by Marcel Breuer. &ldquoI&rsquom a great admirer of Rem Koolhaas, and he had quite an amazing vision for the Whitney,&rdquo says Weinberg. &ldquoBut I would like to get away, frankly, from the comparisons&rdquo between Koolhaas and Piano. Nevertheless, he says, &ldquoRenzo&rsquos work has a kind of classicism to it. He has this way of finding that right balance between tension and composure.&rdquo

The Art Institute of Chicago&rsquos $135 million expansion, for which the museum plans to break ground this spring, will rise on an unsightly, abandoned area on the northeast corner of the museum&rsquos property, which faces the newly completed Millennium Park complex designed by Gehry near the city&rsquos lakefront. Cuno says the addition is intended to bring the area to life. But Piano&rsquos design for the project was driven primarily by internal needs, rather than by the desire to compete with the undulating sunburst of Gehry&rsquos metal-clad band shell and concert facility across the street. &ldquoThe project was designed to advance the core mission of the museum,&rdquo says Cuno. &ldquoIt was designed to add more gallery and education space, rather than temporary exhibition space or retail shops.&rdquo

Despite the trend toward conservative Modernism in museum design, there are powerful exceptions. David Gordon, director of the Milwaukee Art Museum, unabashedly champions Milwaukee&rsquos decision to build the expansion designed by Calatrava, with winglike, mechanized sunscreens that open and close. He says the museum has raised $19 million to pay off its $25 million debt, and he believes it will gather the rest. A native of Great Britain, Gordon says he has adopted an American, can-do attitude. &ldquoIn the States you do something ambitious, you go out on a limb, you find a way to raise money, and you ride on,&rdquo he says.

Mitchell Kahan, director of the Akron Art Museum, is confident he&rsquoll raise the additional $10 million he needs to complete the museum&rsquos $38 million expansion, which will be the first in the United States designed by the chic Viennese architecture firm Coop Himmelb(l)au. The building, an addition to the late-19th-century post office that now houses the museum, will feature a dramatic, winglike roof floating over masonry-enclosed galleries and a glassy lobby with canted walls of glass. &ldquoIf cultural institutions do not embrace innovation in architecture, no one will,&rdquo says Kahan. &ldquoIt is truly our responsibility to push the envelope, because the commercial sector will not.&rdquo Kahan also believes art museums need to stretch financially to make significant architectural statements. &ldquoAt Milwaukee the focus is on the cost overrun,&rdquo he says. &ldquoThat&rsquos a choice they made, and I admire it. A few years of tightening the belt is nothing compared with having something that serves the community for the next century. I don&rsquot know why people are so critical.&rdquo

If there&rsquos one museum project in the United States clearly influenced by Bilbao, it&rsquos the Denver Art Museum&rsquos $90 million addition, a Libeskind composition in jagged, thrusting shapes clad in titanium, like Gehry&rsquos building and Libeskind&rsquos own breakthrough project, the Jewish Museum in Berlin, completed in 1998. Denver museum director Lewis Sharp says he first dreamed of making an architecturally dramatic statement when he attended the opening of the Guggenheim Bilbao at the invitation of a Denver Art Museum trustee whose company had manufactured titanium panels for the gleaming, fish scale&ndashlike facades of Gehry&rsquos building.

&ldquoI was completely knocked over,&rdquo Sharp says. &ldquoIt was an incredible visual experience.&rdquo He also remembers thinking that if he ever had the chance to expand the museum in Denver, &ldquoI hoped we would do something as bold and as exciting to house our future program.&rdquo Now, after eight years and a successful, $120 million capital campaign, construction of the Denver museum&rsquos addition is well under way. A pedestrian bridge will connect it to the Brutalist castle designed for the museum in 1971 by Gio Ponti of Italy. Sharp estimates that when the expansion opens in late 2006, Libeskind&rsquos architecture will be a major factor in boosting attendance to 1 million from 400,000 in the first year, before settling down to 600,000 or 700,000. &ldquoThis building is going to attract people from around the country and around the world,&rdquo he says.

But Sharp also describes the project as a cultural expression of a moment of financial opportunity and civic optimism that occurred in the late 1990s&mdashbefore the stock market downturn that started in early 2000. In 1999 the Denver museum raised the money for its Libeskind project with ease, winning $62.5 million in a citywide vote on a municipal bond, and then gathering another $61 million privately within three months. Emboldened by that momentum, the city added a privately developed condominium tower, also designed by Libeskind, next to the museum and its parking garage. But Sharp says that starting the project today, in the gloomier economic climate, would be impossible.

Libeskind defends the idea of the museum as spectacle. &ldquoI don&rsquot admire neutrality,&rdquo he said at a panel titled &ldquoBeyond Bilbao: Museum Architecture in the 21st Century,&rdquo recently held in New York by the Art Dealers Association of America. &ldquoPeople expect more of life today, more of their coffee, more of their environment, of what they see. Why shouldn&rsquot museums be any different?&rdquo

The Wadsworth Atheneum wasn&rsquot quite as fortunate in its timing as Denver. The museum&rsquos effort to raise $120 million in a capital campaign for a controversial and architecturally ambitious project designed by UN Studio of the Netherlands was hobbled by the stock market downturn, by 9/11, and by the sheer difficulty of raising money in a region bracketed by big museums in New York and Boston. After internal conflict over the UN Studio design, the Atheneum&rsquos former director, Kate Sellers, resigned in fall 2002, followed by board president George David and five other trustees in early 2003.

&ldquoThe museum came to the party of the 1990s late, and by the time it got its building designed and its campaign going, there was a huge competition within the Northeast region for dollars,&rdquo says Holmes. &ldquoI think there was an overreliance on dramatic architecture to solve the Atheneum&rsquos problems.&rdquo Holmes adds that the project collapsed not only because of its polarizing design but also because it was a stand-alone effort, not part of a larger, civic revival. &ldquoThere was not a coordinated effort on the part of state, local, and corporate interests to find a way to revive the fortunes of Hartford.&rdquo Now, under Holmes, the Atheneum is exploring the idea of a more modest expansion to provide additional exhibition space, along with moving its offices to a renovated building across the street.

In a less traumatic manner, the state-owned North Carolina Museum of Art in Raleigh changed course when it got a cool response from donors and legislators to a $100 million expansion plan designed by Richard Gluckman in 2001. The plan would have enlarged the museum&rsquos original building, designed by Edward Durell Stone and completed in 1981. But it was judged too big a hurdle in the economic downturn earlier in this decade. The museum changed direction decisively when the state tore down an adjacent prison and donated the land to the museum, creating a new expansion opportunity. It hired architect Thomas Phifer of New York, a former associate of Richard Meier, to design five glassy pavilions separated by gardens and reflecting pools along the ridgetop site of the former prison. The new $70 million plan provides the space the museum needs, and it&rsquos cheaper.

Other major urban art museums that embarked on expansions after the 1990s are moving ahead, although more slowly than they anticipated. After three years of raising money quietly for a $425 million expansion and renovation designed by Sir Norman Foster of Great Britain, the Museum of Fine Arts, Boston announced last September that it had raised $245 million for the project. While it is a record for a cultural institution in Boston, it still leaves the museum with 42 percent of the balance to raise for the project. Foster&rsquos design, which aims to insert a &ldquocrystal spine&rdquo of galleries and walkways into existing museum courtyards, is not so much aimed at giving the museum a new signature statement as at clarifying and expanding its confusing, haphazardly organized interior.

The Detroit Institute of Arts has raised $230 million to increase its endowment and to pay for a long-delayed renovation designed by Michael Graves in 1988. But the museum has been stymied by state-budget cuts and squabbles over governance with the city of Detroit, which owns the museum&rsquos building, though not its collection. Director Graham Beal recently announced yet another delay after the museum found it had to spend $57 million to remove asbestos from parts of the building. The discovery has increased the goal of the museum&rsquos capital campaign to $410 million from $330 million, and pushed back the completion of the project to 2007. Officials at the Cleveland Museum of Art had originally hoped to break ground this fall for a $225 million renovation and expansion designed by Rafael Vi_oly. But as of January they had announced neither how much they had raised nor a date for the groundbreaking.

One thing most museum directors agree on: all that new space will be necessary. In particular, they feel confident that there will be an ample supply of new art to fill the sizable spaces for contemporary art included in many of the new expansions.

&ldquoThere&rsquos going to be no end to this,&rdquo Cuno says. &ldquoThat&rsquos one of the great glories of museum work. There&rsquos always going to be more art made in the future. It&rsquos a growth industry. More people are going to live longer, and therefore more people will make art over longer periods than in the past, and there are going to be more people around to appreciate it.&rdquo

Steven Litt is the art and architecture critic of Sade Satıcı in Cleveland.